WHAT A FEELING...
La industria del cine norteamericano en los 80

BLADE RUNNER, THE FINAL CUT

Sinopsis

En un futuro no muy lejano los hombres han alcanzado el conocimiento necesario para fabricar androides idénticos a los humanos en casi todo. Estos replicantes se utilizan como esclavos en las tareas más difíciles de las colonias estelares, y no se les permite vivir más de unos años determinados para evitar la rebelión de los mismos. Pues bien, a pesar de todo unos cuantos se rebelan porque quieren vivir sus propias vidas en libertad , porque no quieren que alguien les determine su edad como una fecha de caducidad, porque tienen sentimientos que no saben controlar y porque quieren ser humanos. A un antiguo Blade Runner, Deckard, se la encarga la misión de "retirar" a esos replicantes "enemigos". Durante todo el tiempo que tarda en acabar con ellos su vida y visión de la realidad da un giro completo, ya que comienza una relación con una replicante, Rachel , y porque... ¿quién le dice que él no es también un replicante?

Ficha Técnica

Dirección: Ridley Scott
Guión: Hampton Fancher, David Peoples basado en la novela Do androids dream with electric sheep? de Philip K. Dick
Cinematografía: Jordan Cronenweth
Música: Vangelis
Elenco: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Daryl Hannah, Joanna Cassidy, Edward James Olmos
País: USA
Año: 1982-2007
Duración: 117 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Acerca de Blade Runner

Película de culto de ciencia-ficción del año 1982, escrita por Hampton Fancher y David Peoples (basada en la novela de Philip S. Dick, Do Androids Dream of Electric Sheep?), dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Harrison Ford (que en los años ochenta venía ya del estrellato con Star Wars), es más que una simple película de ciencia-ficción, más que un thriller, más que un film noir con estética punk o un film ciber-punk, como muchos lo han calificado. Es una película que por encima de todo se cuestiona nuestro destino como seres mortales, que reflexiona acerca de la creación y nuestra naturaleza, y que además, vaticinó muchos de nuestros males y peligros actuales. De ahí su actualidad e importancia.

Blade Runner cuenta la historia de Deckard (Harrison Ford), un policía del futuro (año 2019) en Los Ángeles, cuya misión es principalmente buscar y eliminar “replicantes”, robots casi humanos que se han rebelado y se han convertido en peligrosos. En esta misión, la idea es acabar con los replicantes “Nexus 6” (Leon, Batty, Zhora, Pris y Rachel), que son robots que han llegado a una perfección hasta antes nunca alcanzada por su creador, Tyrell (Joe Turkel), un científico que experimenta con genética y ha creado estos seres a imagen y semejanza de los humanos. Algunos de estos replicantes han sido perfeccionados al nivel de haberles implantado emociones derivadas de recuerdos de una vida que realmente nunca han tenido, a base de fotos de familias realmente inexistentes. Y por eso, porque son casi humanos, es que no quieren morir, y esta es la base de su conflicto que los ha llevado a rebelarse contra su creador.

Deckard se enamora de una de las replicantes, Rachel, que en un principio ni siquiera sabe que no es humana. Ella incluso le salva la vida en un momento, viéndose Deckard aún más atrapado entre su deber y sus sentimientos. Batty (Rutger Hauer) consigue matar a Tyrell, su creador, luego de pedirle que le dé más vida y éste confesarle que esto es imposible. Deckard elimina a Zhora (Joanna Cassidy) y Pris (Daryl Hannah), y libra una batalla terrible contra Batty, que es el replicante más fuerte, el líder de todos. Pero en esta batalla Batty le salva la vida a Deckard, para luego suicidarse, sabiendo ya que no vivirá más de cuatro años. Finalmente, Deckard huye con Rachel para no tener que matarla, descubriéndose en ese momento que él posiblemente también es un replicante, con aquel famoso unicornio de papel, aquel símbolo de la inocencia, que asimismo es también parte de las memorias de Deckard (esto según la versión de la película), probablemente implantadas por su creador.

La película se desarrolla en un mundo de oscuridad, suciedad, polución, ruido, luces infernales y lluvia, todo el tiempo lluvia, en un Los Ángeles que ha sufrido un gran cambio climático. Un mundo donde el desarrollo genético ha sido capaz de crear personas, tal como ya está sucediendo, donde Dios ha sido destronado por científicos. La película presenta la visión de un futuro terrible, en un mundo destruido por el hombre, que ha creado estas ciudades horribles y angustiosas, donde la globalización muestra su peor cara, con seres de miles de lugares hablando en distintas lenguas, pero no a modo de grato mestizaje sino a modo de una torre de Babel donde nadie se comunica con nadie realmente, y donde parece que ya no hay cabida para nada, más que para la soledad del individuo.

La película nos enfrenta a esta soledad con casi todos los personajes: J.F. Sebastian (William Sanderson), el diseñador genético que trabaja para Tyrell, vive entre amigos creados por él pero no tiene amigos de verdad, además bajo la contradicción de ser capaz de crear vida pero él estar enfermo de “vejez prematura” y condenado a morir pronto, al igual que cualquiera de los replicantes; Tyrell, que vive solo en una especie de castillo del futuro; y Deckard, que en su condición de Blade Runner, policía o detective, tiene que ser un solitario, como lo son todos los policías y detectives de películas de cine negro, del cual bebe mucho este film, que reinventa el género.

Además de haber acertado en gran parte de los actuales y futuros problemas del siglo XXI, Blade Runner planteó uno de los conflictos más viejos de la humanidad, de ahí su capacidad de empatía con el espectador, conflicto que se expresa en frases que han quedado ya plasmadas para siempre en la historia del cine: “Cuál es el problema?” dice Tyrell. “La muerte. Quiero vivir más”, contesta Batty, que al descubrir que esto es imposible, mata a Tyrell, o Dios, y se hunde en el sufrimiento de saberse mortal. Aquella posterior batalla entre Deckard y Batty tiene también momentos memorables, en las cuales el principal motor es el miedo a morir (“Toda una experiencia vivir en el miedo”, le dice Batty a Deckard antes de salvarlo). Para terminar con aquella imagen de Batty bajo la lluvia y con esa paloma blanca en la mano, luego de haber salvado a Deckard: “Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.” Y no vemos su muerte, sólo nos quedamos con esa imagen de aquel hombre fuerte derrotado, añorando los momentos que no volverán nunca, y la paloma que alza el vuelo libre, en la lluvia. Y es entonces que entendemos que todos somos replicantes de alguna manera, condenados a morir en algún momento que no conocemos y que sólo conoce nuestro lejano creador.

Rossana Díaz Costa

STRANGER THAN PARADISE

Sinopsis

Dos amigos y la prima de uno de ellos, que acaba de viajar a Estados Unidos desde Budapest, viven diversas aventuras en Florida.

Ficha Técnica

Dirección y Guión: Jim Jarmusch
Cinematografía: John J. Campbell
Música: John Lurie
Elenco: John Lurie, Eszter Balint, Richard Edson
País: USA
Año: 1984
Duración: 89 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Premios

Cámara de Oro Festival de Cine de Cannes de 1984
Leopardo de Oro Festival de Cine de Locarno de 1984

Acerca de Stranger than paradise

Stranger than paradise (1984), segundo largometraje de Jim Jarmusch, basado en su propio corto de 1982 titulado “The New World”, es la historia de Willie (John Lurie), un húngaro que no quiere serlo y que está plenamente identificado con el “new world” americano, que recibe un día la visita de su prima Eva (Eszter Balint), una jovencita húngara recién llegada, que es un estorbo en un inicio pero que luego ejerce algo de simpatía en su primo, y sobre todo en el amigo de su primo, Eddie (Richard Edson), un americano que vive de las apuestas y el juego, al igual que Willie. Nunca los vemos trabajar, sólo los vemos viendo la televisión, jugando a las cartas, comiendo “fast-food” (o “TV dinner”), fumar y dormir, y por eso nuestras risas cuando se van de “vacaciones” en la tercera parte de la película. El film nos muestra unos personajes principalmente tiernos, a pesar de no saber lo que quieren, ni tener un rumbo ni un objetivo, en suma, unos anti-héroes, unos auténticos perdedores que no se cuestionan mucho la vida.

Stranger than paradise es también una “anti road-movie”, y digo “anti” porque sus personajes realizan viajes, emigran de sus países, avanzan por carreteras a través de estados, pero en realidad no van a ninguna parte. Como dice Eddie: es curioso, pero uno llega a diferentes sitios, pero es como estar siempre en el mismo lugar. Esta frase, que resume con ironía la idea detrás de esta película, es dicha en medio de un campo de nieve en Cleveland, pero no con Santa Claus ni casas lindas en barrios lindos, sino en las afueras, donde están las fábricas, las casas feas y los desclasados, todos esos inmigrantes que no hablan inglés en sus casas, como la Tía Lotte (Cecilia Stark), que insiste en hablar en húngaro, o no quieren saber nada de su idioma porque de algún modo les remite a un origen pobre, como es el caso de Willie, que incluso no se llama Willie, sino que tiene un nombre húngaro del cual no quiere ni acordarse.

Pero lo genial de esta película es que a pesar de que se está contando una historia de emigración, pobreza y marginalidad, Jarmusch hace de ella una comedia, un relato lleno de ironía, y sus momentos muertos, tan representativos de su cine, no hacen sino hacernos reír, sobre todo cuando estos personajes emprenden estas “vacaciones” hacia Florida, o el “paraíso”. Finalmente llegan a Florida, que no se parece en nada al paraíso, y donde una confusión le llena los bolsillos de dinero a Eva, que decide regresar a Europa, y Willie, creyendo que su prima está a punto de volver a Budapest, termina metido en un avión del cual ya no puede bajar, regresando sin querer a su país, del cual no quería ni acordarse. Todo esto lo suponemos e intuimos, porque Jarmusch realmente no nos muestra nada de lo que realmente sucede en las vidas de estas personas, sino siempre lo que no sucede, los momentos aburridos, transformados en comedia inteligente a cada momento. Ya ha dicho el mismo Jarmusch que no le interesan los momentos dramáticos de la vida y es bajo esta premisa que ha construido siempre sus historias. Sí, más extraña que el paraíso (¿cuál paraíso?) parece ser la vida de las personas comunes y corrientes, cuando es vista desde los lentes de alguien que mira con sarcasmo el absurdo de nuestras existencias.

Rossana Díaz Costa

EL RESPLANDOR

LIANNA

LA LEY DE LA CALLE

Sinopsis

Rusty James es un joven que sueña con volver a los tiempos de las pandillas juveniles y así emular a su hermano mayor, que en su día fue líder de una de ellas y que arrastra una reputación de rebelde e intocable.

Ficha Técnica

Dirección: Francis Ford Coppola
Guión: S. E Hinton y Francis Ford Coppola basado en la novela homónima de S. E Hinton
Cinematografía: Stephen H. Burum
Música: Steward Copeland
Elenco: Matt Dillon, Mickey Rourke, Vincent Spano, Diane Lane, Dennis Hopper, Nicolas Cage, Diana Scarwid
País: USA
Año: 1983
Duración: 94 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Premios

Premio FIPRESCI Festival de Cine de San Sebastián de 1984

CHINA GIRL

Sinopsis

Cruzando en diagonal el East End, Canal Street separa la pequeña Italia de China Town y a las dos pandillas rivales que controlen las calles.En la agobiante atmósfera de estos barrios la relación sentimental entre un italiano y una china, sólo puede traer problemas.Así, cuando Toni y Tyan se enamoran, nace el escándalo y los problemas pronto alcanzan sus más violentas consecuencias.Los cabecillas de las dos bandas, el italiano y el chino, tratan de poner orden entre sus respectivos partidarios....pero la situación empieza a escaparse de sus manos. Se multiplican las peleas y los muertos.La guerra se ha declarado.

Ficha Técnica

Dirección: Abel Ferrrara
Guión: Nicholas St. John
Cinematografía: Bojan Bazelli
Música: Joe Delia
Elenco: James Russo, David Caruso, Sari Chang, Richard Panebianco
País: USA
Año: 1987
Duración: 80 min.

En ingles con subtítulos en castellano

DOBLE DE CUERPO

Sinopsis

Un actor de películas de terror descubre a su mujer con su amante y tras abandonar la casa donde vive se instala en una lujoso apartamento que le ha dejado un compañero del oficio. Desde ahí ve como cada noche una mujer desconocida monta un pequeño y morboso espéctaculo en su vivienda...

Ficha Técnica

Dirección: Brian De Palma
Guión: Robert J. Averich, Brian De Palma
Cinematografía: Stephen H. Burum
Música: Pino Donaggio
Elenco: Craig Wasson, Gregg Henry, Melanie Griffith, Deborah Shelton
País: USA
Año: 1984
Duración: 114 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Acerca de Doble de cuerpo

“Soy mirado, es decir, soy un cuadro.”
Jacques Lacan

Hoy, cuando todo es más contemporáneo de todo, ¿Cómo nos interpela Brian De Palma y Doble de Cuerpo después de 24 años? Mucho más que un argumento narrativo -o una cita- Doble de cuerpo sucede como uno de los primeros ensayos sobre la posmodernidad artística, sus escalas metaficcionales y la inscripción del acontecimiento. Aquí, las pulsiones vitales de la modernidad en el cine son (de)liberadas y (de)construidas como un hipergénero que incluye y justifica ( precisamente como un doble de cuerpo) todo un género al filo de una teoría pop, escenificando relaciones intersubjetivas tal como las produce un pasquín o folletín televisivo, con una sensibilidad cercana y casi idéntica a lo que en la era del almacenamiento de la información –casi suplantando a la realidad- reconocemos como link o hipervínculo, reciclando la moral periódica y genérica de una época como lo harían años después, convertido en un estilo, ya instruidos en el arte de la impostura, Pedro Almodóvar y Quentin Tarantino.

Como Lacan en el Seminario XI, De Palma –uno de los últimos cineastas capaces de tomar nota, guardar y leer los mensajes detrás cada objeto- reconoce (la película detrás de la película) una vez más que la mirada está afuera (observar al observador es el axioma de Doble de cuerpo) y que su función se encuentra en lo más íntimo de la institución del sujeto.

Jorge Ayala Salinas

MALA NOCHE

TERCIOPELO AZUL

TORRENTES DE AMOR

EL IMPERIO DEL SOL

HENRY. RETRATO DE UN ASESINO EN SERIE

HAZ LO CORRECTO

TRUST

LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO

Sinopsis

Jesús, un carpintero de Nazaret, vive atormentado por su sentimiento de culpa ante las tentaciones aunque él recibe constantemente la llamada de Dios. Y decide averiguar qué es lo que quiere Dios de él. Pero cuando está a punto de completar su misión, la tentación le acecha de nuevo, una visión de su vida junto a María Magdalena hace que dude del sacrificio que Dios le ha impuesto para salvar al resto de los hombres. Esta película no está basada en los evangelios. Está basada en la novela de Nikos Kazantzakis, La Última Tentación de Cristo.

Ficha Técnica

Dirección: Martin Scorsese
Guión: Paul Schrader sobre la novela homónima de Nikos Kazantzakis
Cinematografía: Michale Ballhaus
Música: Peter Gabriel
Elenco: Willem Dafoe, Barbara Hershey, Harvey Keitel, David Bowie, Harry Dean Stanton
País: USA
Año: 1988
Duración: 164 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Premios

Nominado Mejor Director (Martin Scorsese) Premio Oscar de la Academia de 1989

CRÍMENES Y PECADOS

Mejor Guión Original Premios David di Donatello de 1989

Acerca de Crímenes y Pecados

La primera vez que vi Crímenes y Pecados (1989), sentí ganas de levantarme y ponerme a aplaudir, tal como los personajes en la última secuencia de la película. Sí, se convirtió en ese momento en mi película preferida de Woody Allen, aunque de ahí tuve varias favoritas. Pero de alguna manera especial esta se quedó para siempre en ese momento final en el cual piensas: esta película no envejecerá nunca. Y así ha sido hasta el momento: Crímenes y Pecados no sólo no ha envejecido, sino que además ha rejuvenecido, si es que esto es posible con las películas.

La película cuenta dos historias paralelas: la de Judah (Martin Landau), un oftalmólogo de éxito, respetado y querido por su familia y por todos, que decide mandar asesinar a Dolores (Anjelica Huston), su amante, ante la posibilidad de que ésta le cuente su doble vida a su esposa, en vista de que él no se quiere divorciar. A pesar de que el rabino le aconseja que le cuente todo a su esposa y le pida que lo perdone, Judah no se arriesga y llama a su hermano, que lleva una vida fuera de la ley, para que éste le consiga un asesino a sueldo, porque cree que su esposa no lo perdonará nunca. En la línea de Crimen y Castigo, una vez el asesino ha realizado su trabajo, Judah es incapaz de vivir con la culpa, que lo acecha día y noche.

La segunda historia es la de Cliff (Woody Allen), un fracasado realizador de documentales con un matrimonio en crisis. Su cuñado, Lester (Alan Alda), es un exitoso productor de televisión, que le ofrece un trabajo: hacer un documental acerca de su exitosa vida, y a Cliff no le queda otra que aceptar este encargo. En el rodaje, Cliff conoce a Halley (Mia Farrow), de quien se enamora perdidamente, y es entonces que entra en un dilema moral, al estar aún casado. Pero todo en esta historia tiene tintes de comedia, en oposición a la primera historia.

Los dos dilemas morales se resuelven finalmente, demostrando que en este mundo al parecer no hay un Dios que nos ve y nos protege, sino que estamos perdidos en un mundo sin un orden moral, y principalmente, donde triunfa casi siempre el mal. Judah no es castigado por su crimen, y pasados unos meses tampoco siente culpa por ello. Continúa con su vida como si nada hubiera sucedido. Y Cliff pierde a Halley, quien termina estando con Lester, su exitoso, rico y frívolo cuñado. La metáfora del rabino que se queda ciego, siendo él quien lleva la palabra de Dios, demuestra también lo anterior, y el suicidio del profesor Levy, de quien Cliff estaba haciendo un documental, un filósofo preocupado por la felicidad y que llevaba optimismo a sus alumnos, sólo termina por confirmar la injusticia del mundo en el que vivimos.

Las preocupaciones existenciales de Woody, que lo llevaron a realizar varias de sus mejores películas en los años ochenta (preocupaciones que ha retomado últimamente), alcanzó en este film su punto más alto: no sólo nos demostró que es posible hacer una comedia y una tragedia al mismo tiempo, sino que además se puede profundizar en temas como la felicidad, la soledad, el orden moral, la existencia de Dios, el bien y el mal, sin ser tan serios, como lo era el genial Bergman. Sí, Woody demostró que es posible ser serio y gracioso al mismo tiempo, y que es posible acabar una película con una profunda reflexión acerca de los seres humanos: aquella reflexión en boca del profesor Levy, que nos dice que la felicidad no parece estar incluida en el diseño de la creación de este mundo, pero que es sólo a través de nuestra capacidad de dar amor que podemos darle un sentido a este universo indiferente. Por eso los seres humanos no nos rendimos y lo seguimos intentando, encontrando felicidad en las cosas pequeñas. Y así, con esta reflexión, cierra su película, de manera genial y permaneciendo a través del tiempo.

Rossana Díaz Costa

FLASHDANCE

Día de exhibición: Viernes 23 de Mayo / High Concept Films & Mainstream

Sinopsis

Un rotundo triunfo visual y música, Flashdance es la trepidante historia de Alex Owens, una joven de 18 años muy decidida y hermosa que trabaja como soldadora de día y como bailarina en un club por las noches. La película brilla con la música de los 80, que incluye el súper éxito de Irene Cara “Flashdance / What A Feeling” así como “Maniac” interpretada por Michael Sembello. Descubrimos los avatares de Alex para obtener su independencia y encontrar el amor, así como su sueño de bailar en el Conservatorio de Danza de Pittsburg.

Ficha Técnica

Dirección: Adrian Lyne
Guión: Thomas Hedley Jr., Joe Eszterhas
Cinematografía: Don Peterman
Música: Giorgio Moroder
Elenco: Jennifer Beals, Cynthia Rhodes, Michael Nouri, Liliaa Skala
País: USA
Año: 1983
Duración: 95 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Premios

Mejor Canción Original (Irene Cara) y Música (Giorgio Moroder) Premios Oscar de la Academia de 1984

Acerca de Flashdance

Ella trabaja de día (!como soldadora!) y por las noches baila en un club (¡como una diosa!). Sueña con ingresar a la escuela de danza y convertirse en Prima Ballerina, mientras tanto se enamora y desenamora de un tipo que resulta ser su jefe. Al final del film hay ingreso, besos, flores, y baile por supuesto. Flashdance es una sucesión de clichés intercalados con escenas musicales filmados con tal brillo y estilo que terminan armonizando deliciosamente, haciendo soportable hasta al más burdo de ellos. Adrian Lyne se las ingenió para hacer un ejercicio de estilo, con tan buena visión que 25 años después JLo, Geri Halliwell (Ginger Spice) y cientos de chicas monas de todo el planeta, siguen y seguirán calcando sus escenas, glorificando así el musical epítome de la década.

Armando Sakihara

CALLES DE FUEGO

Día de exhibición: Miércoles 28 de Mayo / High Concept Films & Mainstream

Sinopsis

En medio de un panorama de desenfreno y Rock & Roll, la banda de los Moteros terroristas, capitaneada por el vicioso Raven Shaddock (Willem Dafoe), secuestra a la diva de la canción Ellen Aim (Diane Lane). Ahora, sus esperanzas de ser rescatada descansan en unos héroes atípicos: el cazafortunas Tom Cody (Michael Paré) y su secuaz McCoy (Amy Madigan). Ambos, ayudados por el manager de Ellen (Rick Moranis), se introducen de lleno en un mundo de calles regadas por la lluvia, coches calientes y asesinos mortales.

Ficha Técnica

Dirección: Walter Hill
Guión: Walter Hill & Larry Gross

Cinematografía: Andrew Laszlo
Música: Ry Cooder
Elenco: Michael Pare, Diane Lane, Rick Moranis, Amy Madigan
País: USA
Año: 1984

Duración: 93 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Premios

Caixa de Catalunya (Amy Madigan), Festival de Cine Internacional de Cine Sitges de 1984

LA FUERZA DEL CARIÑO

Día de exhibición: Viernes 30 de Mayo / High Concept Films & Mainstream

Sinopsis

Aurora y Emma son una madre y una hija que llevan diferentes caminos. El matrimonio de Emma, la hija, hace que Aurora, la madre, muestre lo cariñosa y otras veces difícil que puede llegar a ser. La película abarca varios años de sus vidas durante los cuales buscan diferentes razones para vivir y encontrar la felicidad.

Ficha Técnica

Dirección y Guión: James L. Brooks (basado en una novela de Larry Mc Murtry)
Cinematografía: Andrzej Bartkowiac
Música: Michael Gore
Elenco: Debra Winger, Shirley MacLaine, Jack Nicholson, Jeff Daniels
País: USA
Año: 1983
Duración: 132 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Premios

Mejor Película, Actriz (Shirley McLaine), Actor de Reparto (Jack Nicholson), Director y Guión (James L. Brooks), Premio Oscar de la Academia de 1984.

THE BREAKFAST CLUB

Día de exhibición: Miércoles 4 de Junio / High Concept Films & Mainstream

Sinopsis

Cinco estudiantes de distinta educación, formación y gustos son castigados a pasar un sábado en el instituto en el que estudian. Pronto las desavenencias entre ellos aparecen, especialmente cuando el director que les vigila se ausenta del aula.

Ficha Técnica

Dirección y Guión: John Hughes
Cinematografía: Thomas Del Ruth
Música: Keith Forsey
Elenco: Molly Ringwald, Emilio Estevez, Ally Sheedy, Judd Nelson, Anthony Michael Hall
País: USA
Año: 1985
Duración: 97 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Acerca de The Breakfast Club

En un universo paralelo (de adolescencia perpetua) The Breakfast Club es Tennessee Williams. Dentro del menú del Hollywood ochentero, las películas sobre adolescentes y high schools fueron las más fast de todas las foods. Sin embargo, ésta tiene más sabor, aroma y cafeína que The Big Chill, incluso. Bien dirigida y mejor actuada, éste retrato del high school y su fauna terminó siendo un estupendo estudio del adolescente y la insoportable levedad de serlo. Sorprendente, lúcida y entrañable. John Hughes, acierta con la dosis exacta de chicle globo, para hacernos recordar que esta es una teen-movie. Don't you forget about it.

Armando Sakihara

VOLVER AL FUTURO

Día de exhibición: Viernes 6 de Junio / High Concept Films & Mainstream

Sinopsis

Marty McFfly, un típico adolescente americano de los ochentas que es accidentalemnte enviado al año 1995 en una máquina del tiempo Delorean, propulsado por plutonio, inventada por un científico ligeramente loco.Durante su frecuentemente histerico y siempre asombroso viaje a traves del tiempo Marty, debe hacer que sus adolescentes padres futuros, se conozcan y enamoren, para así poder volver al futuro.

Ficha Técnica

Dirección: Robert Zemeckis
Guión: Robert Zemeckis & Bob Gale

Cinematografía: Dean Cundey

Música: Alan Silvestri
Elenco: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover

País: USA

Año: 1985
Duración: 117 min.

En ingles con subtítulos en castellano

TOP GUN

Día de exhibición: Miércoles 11 de Junio / High Concept Films & Mainstream

Sinopsis

La Marina de los Estados Unidos crea una escuela de élite para pilotos con el fin de sacar una promoción de expertos en técnicas de combate. A la escuela, más conocida como Top Gun, llega el joven Maverick, famoso por su temeraria aunque brillante forma de pilotar.

Ficha Técnica

Dirección: Tony Scott
Guión: Jim Cash & Jack Epps Jr.

Cinematografía: Jeffrey L. Kimball

Música: Harold Faltemeyer

Elenco: Tom Cruise, Kelly McGillis, Val Kilmer, Anthony Edwards, Tom Skerritt

País: USA

Año: 1986

Duración: 112 min.

En ingles con subtítulos en castellano

NUEVE SEMANAS Y MEDIA

Día de exhibición: Viernes 13 de Junio / High Concept Films & Mainstream

Sinopsis

Elizabeth, una bella marchante de arte, entabla relación con John, un broker de Wall Street. Tras unos inicios apasionados, la pareja se embarcará, por deseo de él, en una serie de juegos eróticos cada vez más extraños que confundirán a Elizabeth, pues ella le ama pero desconoce los verdaderos sentimientos de John.

Ficha Técnica

Dirección: Adrian Lyne
Guión: Sarah Kernochan, Zalman King, Patricia Louisianna Knopp basado en la novela de Elizabeth McNeill
Cinematografía:Peter Biziou
Música: Jack Nitzsche
Elenco: Mickey Rourke, Kim Basinger, Margaret Whitton, David Margulis, , Christine Baranski, Karen Young
País: USA
Año: 1986
Duración: 112 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Acerca de Nueve semanas y media

Chico conoce chica, el es un yuppie, ella una marchante de arte. Ambos se embarcan en una tórrida relación que dura lo que el título cuenta. Nueve semanas y media no es el Ultimo tango en Paris de los 80 como erróneamente se anunciaba. Está lejos de su soberbio referente, pero a nadie le importó eso. Los 80 no necesitaron de un Ultimo tango en Paris. Con la frivolidad elevada a virtud y la MTV como nuevo cánon de la imagen, la década de la codicia trivializó practicamente todo a tal punto que el sexo, los negocios, el arte, encontraron otra prioridad: el Look.
Adrian Lyne filmó este romance con el pulso y la sensibilidad que los tiempos demandaban. Flirteo de diseño, deseo de spotlight, sexualidad de neón, lujuria light y en medio de todo un strip-tease para la posteridad. Con los sentidos saturados y la líbido revuelta, descubrimos finalmente que la mayor sensualidad reposa en la misma relación humana, y nos preguntamos si el clímax tendrá la misma intensidad de una despedida. Cierto anacronismo no hace mas que atizar la nostalgia ochentera, incluso en aquellos que no vivieron la década codiciosa.

Armando Sakihara

WORKING GIRL

Día de exhibición: Miércoles 18 de junio / High Concept Films & Mainstream

Sinopsis

Belleza, inteligencia, encanto. Tess McGill, lo tiene todo. De hecho, tiene todo lo que hace falta para triunfar excepto el corte de pelo adecuado, la ropa adecuada y lo más importante de todo, el trabajo adecuado. Atrapada durante demasiado tiempo trabajando en un pool de secretarias, Tess decide darle un giro a su vida. Cuando su clasista y seductora jefa se rompe una pierna esquiando, Tess toma, literalmente, su lugar... así como su casa, su gigantesco despacho con increíbles vistas y sus vestidos de 6.000 dólares. Convenientemente disfrazada, Tess se alía con un, inteligente y muy atractivo, inversor de Wall Street. Juntos idearán un negocio que puede lanzar a Tess a la fama o hundirla para siempre.

Ficha Técnica

Dirección: Mike Nichols
Guión: Kevin Wade
Cinematografía: Michael Ballhaus
Música: Carly Simon
Elenco: Harrison Ford, Melanie Griffith, Sigourney Weaver, Philip Bosco, Joan Cusack
País: USA
Año: 1988
Duración: 113 min.

En ingles con subtítulos en castellano

Premios

Mejor Canción Original y Música (Carly Simon) Premios Oscar de la Academia de 1989